SITU

UN PROGRAMA DE INVESTIGACIÓN SITE-SPECIFIC EN DESARROLLO

SITU es una plataforma de producción e investigación artísticas que promueve un diálogo entre arte, arquitectura y ciudad, examinando los ecos y las contribuciones que podrían derivarse de un cuestionamiento profundo del urbanismo contemporáneo, entendido como una matriz físico-social vasta y compleja.

El proyecto invita por orden a artistas latinoamericanos a apoderarse de los espacios exteriores de Galeria Leme en Sao Paulo, Brasil, creando para ellos obras efímeras y site-specific relacionadas con el edificio y con su espacio público inmediato.

La elección de este emblemático edificio —una galería de arte contemporáneo diseñada por el influyente arquitecto brasileño Paulo Mendes da Rocha en colaboración con Metro Arquitetos, un estudio de Sao Paulo— responde no sólo a su vínculo con los ámbitos del arte y la arquitectura, sino muy especialmente a sus características arquitectónicas distintivas y a la compleja historia de su construcción, demolición, replicación y expansión, una historia que podría verse como una representación a pequeña escala de los procesos evolutivos vividos por ciudades como Sao Paulo.

La galería fue inicialmente construida en 2004 en una zona que desde la década de los noventa alberga el nuevo centro financiero de Sao Paulo. A los seis años de la construcción del diseño original de Mendes da Rocha, una multinacional compró la manzana en la que se encuadraba Galeria Leme para construir ahí su sede central, lo que obligaba a demoler la galería. No obstante, al tratarse del proyecto de un arquitecto de renombre, antes de que diera comienzo el proceso de demolición se negoció la reubicación del edificio en un solar cercano. Tras un sinfín de discusiones y de bocetos con nuevas posibilidades arquitectónicas, en 2012 se procedió a reconstruir la galería replicando el proyecto original, pero añadiéndole una construcción contigua diseñada, de nuevo, por Mendes da Rocha y Metro. En el espacio entre el edificio clonado del original y la nueva construcción se diseñó un espacio exterior que, además de abrirse a la ciudad, conectaba la memoria del antiguo edificio con su vecino contemporáneo. Esa zona exterior es el escenario principal en el que se exponen los encargos de obras site-specific de SITU.

El foco curatorial de SITU apunta a artistas cuyas investigaciones giren en torno a las problemáticas de la arquitectura y el espacio urbano, o temáticas relacionadas, poniendo el acento en énfasis en artistas latinoamericanos con visiones espaciales corpóreas e intelectuales concretas derivadas de experiencias vividas de primera mano con la especificidad de la esfera pública de América Latina y sus procesos urbanos y sociales.

Articulando una serie variada de obras estrechamente conectadas con el edificio y su espacio público contiguo, SITU busca crear una metanarrativa que entienda cada proyecto específico como parte de una investigación de mayor calado. Al priorizar y generar obras que, lejos de ser representaciones inocuas de la realidad, encarnan vectores susceptibles de crear condiciones espaciales críticas, el proyecto aspira a actuar como un instrumento con el que formular, debatir y difundir cuestiones de apremiante actualidad.

Artistas expuestos:

SITU #1 | José Carlos Martinat
SRE / Open Data / SP
16.07.2015 – 30.08.2015

José Carlos Martinat nació en 1974 en Lima, Perú, donde continúa trabajando y residiendo. Su proyecto nace de una reflexión sobre los escándalos financieros que, desde mediados de 2015, sacuden cada vez con más frecuencia Brasil. Cuando se le invitó a crear una obra site-specific que reflexionara sobre la ciudad contemporánea utilizando como catalizador el edificio de la galería, Martinat decidió centrarse en la idea de que el entorno construido es producto de una serie de decisiones, acuerdos y negociaciones que tienen lugar por detrás de las abstracciones de la política y el capital y que a menudo entrañan violaciones administrativas y legislativas.

A Martinat le interesaba la cuestión de cómo se gestiona la discrepancia entre las narrativas oficiales y la realidad. El equilibrio entre aquello que se revela y aquello que se omite, pero también cómo la interacción entre la concreción de la realidad y su representación posibilita la creación de formas no declaradas de gobierno que se legitiman a través de la abstracción de gráficos, tablas y resultados cuantificables de gastos y beneficios. Esa forma de entender lo «urbano» es simulacro de una sumisión del cuerpo social a la lógica de la economía, una sumisión que promueve la supremacía del espacio abstracto frente al espacio social. Mediante ese proceso la ciudad real no es sino una referencia abstracta y distante, con la información convertida en el valor más poderoso dentro de ese paisaje numérico.

Con todo ello en mente, Martinat ha creado una instalación para la que colocó discretamente sobre el pasaje que une los dos edificios de la galería un pequeño dispositivo consistente en una impresora térmica conectada a un programa de software que va recabando online información estadística de los gastos e ingresos del Estado de Sao Paulo. Los gráficos estadísticos se imprimen como comprobantes fiscales que son arrojados desde el edificio, pudiendo ser recogidos y leídos por los viandantes.

La información procede de una web propiedad del Estado, que se describe como la «puerta del ciudadano a los datos principales del Gobierno de Sao Paulo», una plataforma creada por el Gobierno y concebida para ofrecer acceso a información del Estado a todo el que desee consultarla. Sin embargo, a pesar de la afirmación, la interfaz web y su contenido no resultan fácilmente comprensibles al ciudadano medio.

Al materializar información pública y arrojarla al espacio público el artista indaga en el poder dialéctico que elementos inertes de la ciudad, como los edificios, poseen para activar un compromiso crítico con la realidad urbana, entendida más allá de su mera forma física. La instalación nos recuerda la imposibilidad de interpretar el espacio únicamente como soporte, receptáculo o reflejo pasivo de las fuerzas inmateriales que lo conforman. Es una materia prima que puede moldearse como conductor clandestino de información que escape al radar de las autoridades existentes.

SITU #2 | Daniel de Paula
testemunho
03.09.2015 – 12.12.2015

Nacido en 1987 en Boston, Daniel de Paula vive y trabaja en Sao Paulo. Para su instalación ha recurrido a un tipo de muestra de rocas que en portugués se denomina testemunho (literalmente, “testimonio”), que sirve de información geológica para dimensionar y definir el tipo de cimientos de cualquier gran edificio o construcción. Las muestras se componen de capas de piedras sedimentadas a lo largo de millones de años, formando una especie de línea de tiempo que se extiende desde el presente hasta periodos anteriores a la historia de la humanidad.

La instalación consiste en repeticiones de ese elemento, extendido y espaciado de manera sistemática sobre una superficie que cubre casi toda la planta del patio. Las muestras se organizan cronológicamente de forma que las rocas más recientes se encuentran próximas a la avenida que discurre junto a la galería y las más antiguas, cuya existencia se remonta 4.500 millones de años, se encuentran cerca de la pared trasera.

Las muestras utilizadas por de Paula, recolectadas de una serie de empresas constructoras de Sao Paulo, provienen de excavaciones practicadas en proyectos de obras de movilidad urbana llevadas a cabo en la ciudad, como autopistas, túneles, metro o el Rodoanel (el anillo de circunvalación del Gran Sao Paulo). La disposición cronológica y la descripción de las empresas y consorcios responsables de la construcción de esas obras públicas se explican y detallan en el folleto que acompaña la exposición.

La decisión del artista de centrarse en obras públicas de movilidad urbana es fruto de una reflexión sobre la gran influencia que ese tipo de proyectos ejerce sobre la estructura de la ciudad. Además de dar forma al territorio urbano y afectar al movimiento de la gente, las grandes obras de movilidad representan «logros políticos», pues funcionan a un nivel ideológico para mantener una imagen progresista creada para la ciudad y a la vez sirven de instrumento para implementar políticas macroeconómicas, dinamizando, por ejemplo, el mercado inmobiliario al abrir nuevas zonas a la expansión urbana. Existe, por tanto, una relación simbiótica entre el poder político y un grupo selecto de empresas privadas que establecen un pacto tácito para provecho de ambas partes, sea a través de formas no convencionales de “estímulo” al sector de la gran construcción (por ejemplo, hinchando los precios de los servicios), sea contribuyendo con generosidad a las campañas electorales.

Esta obra de Daniel de Paula surge en un momento en el que investigaciones llevadas a cabo en varias empresas constructoras han revelado esos y otros acuerdos ocultos con figuras políticas, sacando a la luz amaños de corrupción profundamente enraizados, que implicaban a muchas de las empresas responsables de las obras de infraestructura a las que el artista se refiere. Una de ellas, el gigante de la construcción Odebrecht, estuvo a cargo de la construcción del edificio actual de la galería.

SITU #3 | Ricardo Alcaide
Informal order
19.01.2016 – 15.03.2016

Nacido en Caracas en 1967, en la actualidad Ricardo Alcaide vive y trabaja en Sao Paulo. Su proyecto parte de una reflexión sobre el carácter ambiguo del patio de la galería, un espacio que los transeúntes rara vez utilizan a pesar de estar abierto y ser de fácil acceso. El artista cree que algún tipo de barrera inmaterial sobrevuela ese espacio: un personaje particular que emanaría de la propia configuración arquitectónica del espacio reprimiendo cualquier uso informal y espontáneo del mismo. Alcaide encuentra que ese rasgo se repite en nuestra vivencia de Sao Paulo y de tantas otras ciudades en las que cada vez son más los espacios semipúblicos y públicos que son privatizados, o “vallados” inmaterialmente.

Alcaide ha concebido para SITU una instalación que exacerba las tensiones que se dan entre las nociones idealizadas del espacio y la realidad que el uso cotidiano y la apropiación imponen. El artista ha diseñado un gran volumen geométrico negro que ocupa prácticamente el patio de la galería. La cara que se presenta al viandante se eleva en rampa desde el suelo, muy cerca de la acera, alcanzando una altura de casi seis metros en la parte superior de la pared trasera del patio. El volumen disecciona en diagonal las fachadas de la galería, anulando el espacio interior y bloqueando casi por completo los dos accesos al edificio. Para construir este elemento monumental el artista utilizó una madera usada habitualmente en construcción como marco para moldear hormigón in situ, un proceso constructivo idéntico al empleado para construir los muros de la galería.

El bloqueo del acceso normal al edificio llevó a Alcaide a crear una segunda estructura de madera en la fachada opuesta, señalando así una nueva entrada a través de una puerta generalmente cerrada. Este nuevo acceso hace referencia a la entrada original del primer edificio de la galería, demolido en 2011. Con el proceso de rediseño y ampliación de la galería en su nuevo emplazamiento (que explicábamos en el texto introductorio) la entrada se reubicó en la zona del patio.

Con la ocupación, supresión casi, de un espacio (semi)público y la subsiguiente adaptación de la ruta de entrada a la galería, Alcaide nos invita a replantearnos la relación física del visitante con el edificio al tiempo que subvierte el normal funcionamiento de la institución. Su instalación crea una condición espacial que se sitúa en el umbral del conflicto, y una “institucionalización” de la provisionalidad. Con ello, el artista aprovecha la fricción entre la rigidez y la improvisación institucional que a menudo se hace presente en nuestra experiencia de la ciudad, en el choque entre la arquitectura “oficial” y las construcciones improvisadas que se acoplan acumulativamente a ella como resultado de unos pactos territoriales intrincados e informales que discurren en paralelo al orden jurídico-normativo oficial.

SITU #4 | Beto Shwafaty
The Phantom Matrix (Old Structures, New Glories)
02.04.2016 – 25.06.2016

Beto Shwafaty nació en 1977 en Sao Paulo, donde sigue viviendo y trabajando. Shwafaty basa su proyecto en sus investigaciones históricas y geográficas de la zona donde se enclava la galería: el barrio de Butantã. Hurgando en el pasado colonial del lugar el artista descubrió que en el siglo XVII fue el emplazamiento del primer molino de azúcar de Sao Paulo, que empleaba tracción humana y animal para moler la caña.

Aunque a primera vista pudiera parecernos un hecho histórico menor, los ingenios azucareros constituyen una de las industrias coloniales más tempranas e importantes y dieron lugar a la formación de un conjunto específico de relaciones sociales que reforzó una jerarquía socioespacial cuya influencia sigue haciéndose sentir. La generalización de este modelo en la formación del territorio nacional estuvo pilotada por la expansión y consolidación del monocultivo y de unas estrategias de propiedad de la tierra que hicieron que grandes extensiones de terreno cayeran en manos de unos pocos individuos. El modelo sentó también las bases para la consolidación de una sociedad patriarcal y patrimonial, cuyos poderes políticos, económicos y sociales continúan concentrándose en las manos de una elite diminuta. Durante los últimos doscientos años ese tipo de vínculo entre poder y propiedad de la tierra ha sostenido el modelo de articulación del territorio en Brasil, un modelo que ha desembocado en la difusión del reciente proceso de urbanización, con sus múltiples desórdenes.

En su instalación Shwafaty recurre a un molino azucarero original para estructurar, material y conceptualmente, la totalidad del proyecto. La instalación, que ocupa el patio de la galería, se ve transformada por una serie de momentos sucesivos. En el primero, el molino se expone con un movimiento constante accionado por un motor eléctrico que el artista superpone sobre la pieza original (un movimiento, por otro lado, improductivo, ya que el motor no muele la caña de azúcar). En el curso de la exposición el molino se irá gradualmente desmantelando y sus piezas catalogándose y reorganizándose para su resignificación. Por último, las piezas se sacarán del espacio, que pasará a estar ocupado inmaterialmente por una instalación sonora portadora de la memoria de los procesos conectados con el molino.

Al llevar este tipo de mecanismo colonial al lugar donde surgió el artista provoca la colisión de dos épocas históricas. No obstante, esta pieza colonial se resucita sólo para desvanecerse luego, poco a poco, durante la exposición, evocando así la inminente erradicación de ciertos edificios históricos y de culturas, información y sociedades, así como la supresión y desaparición de procesos que impregnan el desarrollo espacial de las ciudades.